On-Site: Arquitectura en España hoy

El Real Jardín Botánico de Madrid es el lugar que acoge la exposición On-Site, originalmente comisionada para el MoMA de Nueva York. Se trata de una muestra de los mejores trabajos arquitectónicos que se están realizando en España durante los últimos años.

Se trata de fotos, maquetas y vídeos sobre construcciones ya conocidas (el Edificio Agbar, el Edificio Mirador de Sanchinarro, la T4 de Barajas...), otras recién inauguradas (el hotel de la Bodega de Marqués de Riscal en La Rioja, de Frank Gehry) y varias aún en proyecto o edificación (como la espectacular sede del Euskotren de Zaha Hadid).

Lo más llamativo son las maquetas: pequeñas obras de arte llenas de detalles y dónde las formas se pueden apreciar en su totalidad. Incluso se pone uno a pensar si no serán más hermosas que el edificio final, más soñadoras.

Colas y 'Comunidad de Madrid'
Dos detalles negativos de la exposición: para permitir que la gente pueda verla a sus anchas (lo cual se agradece) solo dejan pasar al mismo tiempo a 60 personas. Sinceramente, podrían entrar 100 a la vez sin agobios. El resultado es que se forman colas de una hora. Teniendo en cuenta que no estamos, precisamente, en verano esto se convierte en un problema.

Y luego el detalle ególatra de anunciar la muestra como una exposición de arquitectura en la Comunidad de Madrid. Se intentan justificar diciendo que el 40% de los trabajos de la muestra están situados o realizados por Estudios de Madrid. En fin, agradezco a la Comunidad de Madrid el esfuerzo económico de traer la exposición, pero se pueden ahorrar la tontería.

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Este pa' mi salón

Los que estén o pasen por Madrid de aquí al 15 de enero harían bien (si no lo han hecho ya) en visitar la Fundación Juan March para ver la exposición de arte con la que celebran su 50 aniversario, centrada en las vanguardias del S XX. No es que sea una burrada de obras (un par de esculturas, seis fotos y cincuenta y dos cuadros), pero la lista de nombres (y lo bueno que es todo) asusta:

Manet, Tolouse-Lautrec, Degas, Gauguin, Cézanne, Monet, Matisse, Munch, Klimt, Picasso, Braque, Gris, Kandinsky, Malevich (el puñetero cuadro negro), Klee, Chagall, Dalí, Magritte, Miró, Calder, O'Keefe, Bacon, Pollock, Rothko, De Kooning, Rauschenberg, Warhol, Litchtenstein, Cartier-Bresson... Y absolutos favoritísimos personales como Egon Schiele, Edward Hopper o el matrimonio Delaunay.

Vamos, una selección que ni el Reina Sofía o el Thyssen. Todo (casi todo) prestado. Pero para que te presten todo esto hay que ser muy amigo y tener mucho dinero. Al pasar delante del cuadro que reproduzco arriba (Pintura con tres manchas, de Kandinsky), un tipo se nos acerca y dice sonriendo: 'Este me lo llevaba yo para mi salón'. Pues sí, y los otros 59 también.

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Un chico, dos perros y cinco cuadros

Ayer por la mañana me disponía a ver una exposición de Simon Henwood, un pintor británico (también animador y creador de muñecos) que realiza unos curiosos retratos: a medias entre el hiperrealismo y la fotografía, pero llenos de colores, trazos y reflejos totalmente pictoricos. Por explicarlo de una forma más gráfica, sus pinturas son como fotos tratadas con un filtro extraño del photoshop para que parezcan cuadros. Su trabajo más conocido a nivel público es el conjunto de ilustraciones del disco (Ruby Blue) y la serie de EPs (Sequins) que ha publicado este año Róisin Murphy.

Henwood comenzó como escritor e ilustrador de cuentos infantiles y asegura que de ahí le viene su necesidad de contar una historia en cada cuadro. Acaba de publicar ahora Kido, un libro que resume su trabajo como pintor. Además ha realizado colaboraciones con varias revistas y dirigido vídeos como el 'You Were Right' de Badly Drawn Boy, el 'Heard somebody say' de Devendra Banhart (al que también ha retratado) o el 'if we're in love' de Róisin Murphy.

Espacio sin título y muestra compacta
Y volviendo a la historieta que cuento hoy, la exposición española de Henwood está abierta al público en la galería madrileña Espacio sin título (calle Alameda, 6). Los cuadros son tremendos, poderosos y tremendamente expresivos... pero es que ¡solo son cinco! Llegas allí y está un chico que amablemente te abre la puerta, se lleva a otra sala a los dos perros que le acompañan y te deja disfrutar de los cuadros (cinco, repito). Tras comprobar que las escaleras que bajan solo se dirigen a los servicios y que no hay ningún pasadizo secreto, me dedico un buen rato a disfrutar del correctamente titulado Compact Kido show. Como decía antes, los cuadros son tremendamente expresivos. Cuatro de ellos (uno de Róisin y tres de jóvenes desconocidos) a gran escala, en los que destacan especialmente ojos pelo y boca, así como su ropa y complementos. Los fondos son siempre blancos (como en las fotos de los viejos retratistas de pueblo) y el rosado de la piel se difumina y es un simple tránsito entre los puntos de atención.

Pero el que más me gustó fue el cuadro con menos elementos y el único de una escala claramente menor que la real: el de una chica rubia de rostro misterioso que, no sé por qué, me recordó al escritor Raymond Carver. Un cuadro breve e intenso, con una historia sin contar.

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Las puertas de Christo & Jean-Claude

Un vecino de Nueva York decide hoy por la mañana dar un paseo por Central Park. Nota más agitación de la habitual conforme se adentra en el recinto. ¿Ocurrirá algo? Ya se sabe que Central Park es un lugar en el que puede pasar de todo. Pero esto lo supera: 7.500 puertas de 5 metros de altura y de las que cuelgan 7.500 paneles de tela de color azafrán. Los arcos cubren 37 kilómetros de senderos por el parque. Y así hasta el 28 de febrero. Las preguntas serían ¿Quién ha hecho esto? ¿Significa algo? ¿Por qué?. Vayamos por partes.

¿Quién ha hecho esto? Christo & Jean-Claude. Los dos nacieron el 13 de junio de 1935. Él en Bulgaria y ella, hija de un importante militar francés, en Marruecos. En el año 1958 se encuentran en París. Ella es la más práctica, y él el creativo.

Desde entonces forman un equipo que se dedica a hacer posibles las intervenciones artísticas que surgen de la cabeza de él. La mayoría de sus obras se sitúan en espacios públicos, y son financiadas enteramente por la venta de los dibujos previos y merchandising. Entre sus trabajos destacan:
- La cortina de acero (París, 1962)
- La cortina del valle (Colorado, 1970-72)
- Islas cercadas (Florida, 1983)
- El Pont Neuf empaquetado (París, 1985)
- Los paraguas (Japón y Estados Unidos, 1991)
- El Reichstag empaquetado (1992-1994)

¿Significa algo? Según sus autores, "no tiene ningún objetivo. No es un símbolo. No es un mensaje. Es sólo una obra de arte".

¿Por qué? Desde un punto de vista práctico y un tanto triste, porque querían hacerlo y se lo pueden permitir. Están establecidos como grandes artistas y tienen la habilidad y la influencia para convencer a los poderes públicos y conseguir permiso (muchas veces tras largas negociaciones) para realizar sus intervenciones en espacios públicos.

Pero es que detrás de todo esto, no hay que olvidarlo, hay una obra de arte. Una expresión de imaginación y creatividad que pretende afectar a la gente: a los que paseen durante estos días por Central Park, a los que se queden boquiabiertos viendo 'eso' en la TV o los periódicos e, incluso, a los que lean sobre ello dentro de 50 años.

Se trata de una explosión de fantasía en medio de un espacio cotidiano. Como una invocación a la magia, un sueño puesto en la tierra que hace surgir sentimientos y pensamientos irracionales. Un choque frontal con la rutina.

Y la sorpresa es uno de los mayores tesoros de la vida.

+ INFO:
- Especial sobre The Gates en el NYTimes
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